I Pinocchi della collettiva d’arte a Quartu S. Elena (CA)

Fumetti, illustrazioni, marionette, collage, allegorie…: notevoli la varietà e la creatività delle letture date a “Pinocchio” dai dieci nomi coinvolti nell’esposizione del Centro museale d’arte contemporanea “QuARTissimo”.

di Marcella Onnis

Dallo scorso 21 novembre il Centro museale d’arte contemporanea “QuARTissimo”, in via Verga nn. 8-10 a Quartu Sant’Elena, ospita una collettiva d’arte dedicata a Pinocchio. Essendo ormai consapevole di avere molte cose in comune col famoso burattino, visitarla era per me quasi un bisogno esistenziale e prontamente l’ho soddisfatto.

Varcato l’ingresso del Centro, subito mi ha colpito il contrasto tra le variopinte opere esposte e il bianco degli interni. Un bianco che, però, non comunica freddezza, asetticità, bensì luce e, quindi, un certo calore. Bianca è anche la vernice che ricopre le capriate del soffitto, così come l’inferriata e il pavimento in legno del ballatoio che sovrasta l’intera sala. La vista del ballatoio ha stuzzicato la mia curiosità che – una volta ammirata l’esposizione – è stata carinamente soddisfatta dal gallerista e curatore della mostra Andrea Gennaro Aversano. Ho potuto così scoprire un affascinante tesoro di quadri, libri, oggetti e mobili antichi tra i quali la lampada a olio che potete ammirare nella foto.

Ma torniamo alle opere protagoniste della mostra: nove marionette (più un Pinocchio extra) realizzate da Marie Corte e nove tavole (ciascuna di 30×30 cm) per ognuno degli altri artisti (Angela Carone, Massimo Corazza, Sandro Giordano, Gruppo pittura a olio S. Caterina, Fabrizio Antonio Ibba, Giorgia Loi, Anna Marchi, Diego Mocci e Anna Maria Pisano).

Ogni spettatore, come ogni lettore, ha non solo gusti personali ma anche una personale chiave di lettura, che inevitabilmente risente della propria cultura, come ben ha evidenziato Sandro Giordano nella conversazione di cui a breve vi riferirò. Premetto questo per chiarire che mi soffermerò solo su alcuni lavori non perché ritenga gli altri poco meritevoli di attenzione, ma perché, non essendo una critica d’arte, intendo semplicemente raccontare le mie personali – e quindi opinabili – impressioni.

Parto dalle marionette di Marie Corte, realizzate in ceramica, stoffa e materiali vari. Sono opere che restano impresse per la loro bellezza ma anche per la cura dei particolari, come il berretto di mollica di pane o gli uccellini che beccano il naso del burattino, allungatosi per le sue bugie. Salta, inoltre, all’occhio, l’inusuale iconografia della Fata turchina, rappresentata dall’artista come una donna che… scoppia di salute. In assenza dell’interessata, la motivazione di tale scelta è stata illustrata a noi visitatori da Sandro Giordano nelle vesti di “padrone di casa” (gestisce, infatti, il Centro “QuARTissimo” con Aversano): le rotondità della Fata simboleggiano il suo essere anche madre.

Venendo, invece, alle tavole, le opere di Anna Maria Pisano mi hanno colpito per la loro freschezza, caratteristica che senz’altro si deve all’intenzione con cui sono state realizzate: «Ciascuna sequenza è fatta con leggerezza e divertimento così come la nostra stessa vita, quando riusciamo a non prenderla troppo sul serio», spiega l’artista nella presentazione dei propri lavori. Dal punto di vista tecnico, le tavole sono realizzate con pittura a olio su carta riciclata (carta da regalo, carta della lavanderia…). Curiosamente, però, non è stata la carta a doversi, suo malgrado, adattare alle scene da rappresentare ma – ci ha raccontato l’artista – sono queste ultime a esser state ispirate, suggerite, dalla carta di volta in volta da lei scelta per lavorare. Non è la prima volta – né, immagino, sarà l’ultima – che Anna Maria Pisano dà alle sue opere un valore aggiunto utilizzando materiali di riciclo: c’è, infatti, in lei una grande attenzione e un sentito rispetto per la natura in tutte le sue espressioni. Un atteggiamento che certamente condiziona anche il suo modo di rappresentare i soggetti: autentico e, appunto, naturale, che si tratti di un animale, un fiore o un nudo femminile.
È poi quest’artista, nella presentazione dei suoi lavori, a ricordarci uno dei segreti dell’opera di Carlo Lorenzini alias Collodi: «Ogni disavventura e ogni sentimento del burattino Pinocchio ci appartiene ancor prima di ritrovarli far le righe».

Molto interessanti anche le tavole di Diego Mocci, realizzate in china. La scelta della tecnica e del sempre efficace contrasto tra bianco e nero è un omaggio a Enrico Mazzanti, l’«impareggiabile disegnatore» – per usare le parole di Mocci – che realizzò le illustrazioni della prima edizione in volume di Pinocchio (1883) e delle quattro successive.
Queste nove tavole, però, lasciano il segno anche per l’interpretazione un po’ “cinica” che danno della fiaba di Collodi. Una rivisitazione comunque legittima se guardiamo alla natura del testo – così ricco di allegorie e di livelli di lettura da consentire interpretazioni difformi, se non contrapposte – e allo stesso lavoro di illustrazione svolto da Mazzanti. Scrive, infatti, Isabella Pezzini in “Le avventure di Pinocchio” (volume a cura dell’autrice e di Paolo Fabbri che racchiude gli interventi al convegno omonimo organizzato nel 2001 a Urbino) che le sue vignette «sono qualcosa di più che semplici “conversioni” di parti del testo verbale. Ne appaiono piuttosto delle espansioni visive, che […] sollecitano anche l’intervento di un diverso tipo di lettura».

Tutt’altra atmosfera richiama il fumetto di Anna Marchi, creato – spiega l’artista nella presentazione – sulla scia dei propri personali ricordi, «legati non solo al Pinocchio di Collodi, ma anche a film e cartoni animati» e alla sua infanzia. Grazie alla scelta di non «costruire la griglia tradizionale di lettura», l’insieme di immagini e parole dà vita a un’opera fluida con un che di onirico, in linea con il desiderio dell’autrice: «Mi piacerebbe molto che chi guarda le mie tavole raccontasse a se stesso la storia di Pinocchio, un poco leggendo e un poco sognando».

Difficile per me comprendere, invece, le opere di Angela Carone, realizzate con penna e pastelli su tela. È solo dalla sua presentazione, per esempio, che ho potuto apprendere che «il filo conduttore è il naso di Pinocchio, che ricorre in tutte le opere». Il contrasto tra il bianco delle tele e la grafica essenziale esercita una forte attrattiva sugli spettatori, ma non è da tutti saper decifrare questa ricercata forma espressiva. Sicuramente non da me.

Per lo spettatore medio non è immediata neppure la comprensione delle opere di Fabrizio Antonio Ibba, sicuramente le più avanguardiste. Va detto, però, che questo è un esito “naturale” per un artista che ha alle spalle decenni di sperimentazione e una conoscenza approfondita sia della simbologia che del romanzo collodiano. Approfittando della sua presenza alla mostra, ho potuto colmare il mio deficit cognitivo e apprendere vari dettagli sia tecnici che di contenuto.
Sotto il primo profilo, le tavole sono realizzate su telai in legno massello sui quali l’artista ha applicato dei pannelli in cartonlegno. Ha poi lavorato sopra i pannelli con una tecnica mista: collage realizzato con diversi tipi di carta e con l’inserimento di cuciture “grezze” in filo rosso, foglia oro con penna, acquerello, matita, gesso e acrilico. Altro particolare: le tavole sono rivestite lateralmente con pagine di vecchi libri (da lettrice, confesso che mi piange un po’ il cuore), per dare l’idea di un volume che si possa sfogliare.
Ma qual è il significato di questi lavori? «Le opere rappresentano le tappe della trasformazione del materiale grezzo (il ciocco di legno) in essere umano, cosciente e compiuto» mi ha spiegato l’artista. Una trasformazione apparentemente propria del burattino che – esattamente come nel testo di Collodi – costituisce, in realtà, un’allegoria del percorso di iniziazione che ogni essere umano deve compiere. Ed è sempre Ibba ad aiutarmi a decifrare quest’allegoria: il punto di partenza è il burattino in via di costruzione – raffigurato nel primo quadro in alto a sinistra – mentre il punto d’arrivo – rappresentato nell’ultima tavola in basso a destra – è, appunto, l’uomo fatto. Un uomo che l’artista ha racchiuso in un cerchio a simboleggiare l’aspirazione dell’essere umano alla divinità e alla perfezione. «Una perfezione che, però, non raggiunge mai» ha voluto precisare l’artista.

Molta simbologia – magari semplice da rintracciare ma, per lo spettatore medio, non altrettanto da interpretare – è presente anche nelle opere di Sandro Giordano. Queste sue tele, dipinte con tecnica a olio, sono nate da una rilettura adulta del testo di Collodi: se «da bambino Pinocchio era solo naso lungo e gambe corte», in età matura vi ha, invece, individuato la dimensione morale (ma non moralistica, ci tengo a precisare).  E se il romanzo è conosciuto in tutto il mondo, più della Bibbia, è, a suo parere, proprio per questo fine morale.
Giordano, però, ne ha saputo cogliere anche i «risvolti ironici», una caratteristica dello stile collodiano che talvolta si tende a ignorare. C’è, quindi, dietro i suoi lavori anche un’intenzione scherzosa: «Ho voluto trasformarmi un po’ nel bambino che gioca con le scene di Pinocchio», infatti, solo una tavola (la prima in alto a sinistra) è estranea alla trama e – mi ha spiegato l’artista – riprende un quadro di Rembrandt inserendovi il burattino.
Tuttavia, l’innesto in queste scene di numerosi simboli ci ricorda che quello realizzato da Giordano è un gioco per adulti: «Anche nelle mie opere ci sono delle allegorie. Non tutti le riconosceranno, ma ci sarà chi le saprà leggere». «L’arte è un po’ come una cipolla: la sfogli e più sei colto, più strati riesci a vederne» mi ha detto proseguendo il discorso, per poi aggiungere che – dopo trent’anni di attività come insegnante di disegno e storia dell’arte, gallerista e artista – si ritrova a pensare, con grande rammarico, che «l’arte non è per tutti», che «l’arte è per chi se la può comprare mentalmente». Ossia è per chi ne capisce il valore e considera una priorità possedere un quadro o altro oggetto artistico piuttosto che una borsa o un giubbotto firmato, beni di consumo il cui valore è limitato nel tempo. Invece, «un quadro è per sempre». Ma, anche per arrivare a questa consapevolezza, «c’è molto da studiare, da conoscere».

Chi avesse la curiosità e la possibilità di vistare l’esposizione, a ingresso libero, può farlo fino all’8 dicembre 2014, dal lunedì al venerdì (esclusi i giorni festivi) dalle ore 18.00 alle ore 20.30.

Foto Marcella Onnis e Maria Denotti